COMPOSICIÓN (III): LOS CONSEJOS DE BRAHMS

En 1990, Walter Frisch publicó Brahms and his world. Desde entonces han circulado una serie de "consejos" extraídos de este libro y que supuestamente salieron de la mente de Brahms. Es probable que estén ordenados y reinterpretados por el autor del libro. De cualquier forma, son de gran valor teniendo y en cuenta que están escritos en el siglo XIX, es decir, hay muchas referencias (o todas) a la música tonal, pero aún así, la mayoría de ideas son igualmente válidas hoy día. 

Vamos a exponer estos consejos y, en cursiva, añadiré algunos comentarios.

1. En el estudio de la música, lo más importante es el contrapunto estricto. Realmente, el contrapunto es siempre un área de difícil acceso, tanto para el que estudia por sí mismo como el que no. Actualmente, muchos métodos están anticuados y no enfocan el contrapunto más que desde un punto de vista barroco y repleto de reglas, sin contribuir a enseñar cómo usarlo. en la música contemporánea puede que apliquen reglas distintas, pero sigue siendo fundamental en la construcción de contramelodías, por ejemplo.
2. Escribir variaciones es bueno para el principiante. Contribuye a trabajar en el desarrollo motívico y de la forma.
3. Habitualmente, las mejores ideas son las que surgen sin esfuerzo, naturalmente.
4. Nunca escribas una obra hasta que su diseño global no esté totalmente definido. Cuando tengas el mismo, déjalo, ve a dar un paseo...,  te darás cuenta que es que pensabas que era una pieza completa es solo el principio de algo.
5. En la forma sonata, la pieza ha de tener una estructura lógica, no basta con que haya una buena idea aquí y otra allá. La sonata no se hace por juntar ideas, al revés, surge de la necesidad de dar una consistencia a las mismas. Esto aplica a cualquier tipo de forma, incluyendo las que se salen de los parámetros clásicos.
6. El bajo de una obra ha de ser vibrante, nada débil ni "perezoso". Este ha de formar un claro contrapunto con una melodía definida. De nuevo, aunque pensado para un entorno romántico o clásico, esto es aplicable a todo tipo de música con estos patrones de melodía y bajo.
7. La armonía no debe ser solo un acompañamiento. Debe poseer su propio desarrollo, ayudar a que la obra brille con potencia.
8. Al componer, leer las partes por separado: melodía, bajo y también acompañamiento. Este debe ser también interesante e independiente. Es útil usar repeticiones canónicas en el mismo, sin que el canon tome el control total.
9. Combinar diversidad y coherencia de la obra puede ser difícil. Esto se logra transformando los motivos básicos en otros más o menos reconocibles a través de alteraciones rítmicas, desplazamientos armónicos, inversiones, etc.... Así se crean temas y melodías contrastantes usando el mismo material.
10. Otra forma de crear motivos subsidiarios es mediante aumentación de las figuras.
11. Lo más difícil de todo: componer un adagio:
12. La modulación lógica no excluye explorar tonalidades muy distantes. Al contrario, estas tonalidades distantes lo son en virtud de que existe una tonalidad central. Esto es lo que les da su poder expresivo: dicen algo distinto, como los colores de una pintura que contrastan con el fondo pero que son los mismos usados de otra manera.
13. Para aprender a modular: el camino más corto suele ser el mejor.
14. Escribir música a diario, y no pensar que lo que haces siempre va a tener algún valor. 
15. Es raro que una pieza, una vez escrita, mejore con posteriores revisiones. Normalmente empeora.
16. No siempre confíes en tus ideas. Igual que se puede escribir, se puede borrar. Con frecuencia conservar un pasaje arruina toda la obra, convirtiéndote en esclavo de tu idea en vea de dominarla.
17. Imitar es la mejor manera de entender cómo funciona la música. Seguir los métodos de los grandes compositores. Todos los compositores toman ideas de otros, no significa que las vayas a usar idénticamente.

Adagio del concierto para violín y orquesta op. 77